Formé en art et Histoire de l’art aux Etats-Unis, en France et en Italie, passionné de littérature et curieux de toutes formes de culture et de philosophie, Henri Beaufour ne néglige pour autant pas « l’art de la main », qu’il va expérimenter pendant de nombreuses années auprès de « maîtres sculpteurs », sans pour autant laisser de côté la pratique du dessin et de la peinture qui restent une base pour lui, car comme il le dit lui-même : « La pratique du dessin me permet de saisir les formes de la sculpture qui n’est rien d’autre qu’un objet ». On le voit d’emblée, le rapport entre l’expressivité et le symbole passe chez lui par la « réalisation spontanée et directe », une forme de « corps à corps » avec la matière qui va innerver tout son travail et y injecter un sentiment global d’une grande puissance.

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ART BY FRASK est né le 30 octobre 1971 en Suisse dans le canton du Tessin, il vit et travaille actuellement entre Neuchâtel et Lausanne. Il puise ses inspirations aussi bien dans la musique garage ou punk des années 60/70 que dans l’action painting ou encore l’art urbain. SPRAY AND SPLATCH IT. Il travaille au spray et au pinceau, il éclabousse ses supports toiles ou cartons récupérés au fil de ses déambulations urbaines. Entre abstractions et graphisme ces créations sont ‘rough’ et se veulent une interprétation personnelle de l’environnement métropolitain.

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«  SUR FOND DE COULEURS, VISAGES, CORPS, LIGNES ET SIGNES PAPOTENT… »

Parfois au matin, on cherche les éléments d’un rêve pour le reconstituer. Ça nous revient par bribes, fragments, traces, griffures… C’est à la fois exactement ça et autre chose…ça s’invente dans une narration sans cesse interrompue…ça se dilue trop vite… les images se diffractent… un mot surgit mais le poids du discontinu déchire son sens…

Philippe Croq nous entame avec ses propositions picturales là. Y a-t-il un cherche à dire dans la composition de ces éclatements là ?

Tout semble posé mais rien n’est formulé. Un soi apparaît là où le double disparaît. Souvent ombres, traces et reflets se dessinent dans une confusion d’intérêts contradictoires. Alors, ainsi invitée la sensation visuelle de parcelles de vérités vécues nous foudroie. Yannick Lefeuvre


 
Svetlana Arefiev est née en 1966 en Russie, elle se forme à l’Ecole des Beaux Arts et travaille ensuite comme restauratrice d’œuvres d’arts au Musée d’Architecture de Moscou. Arrivée en France en 1994, Svetlana continue à travailler dans ces deux métiers: restauratrice pour le patrimoine français et comme peintre. Peintre à l’inspiration classique et moderne, attirée par l’usure du temps sur les œuvres anciennes. Sensible à la beauté des couleurs et à la plastique des peintres de la Renaissance.


D’origine franco-allemande, Eva Klötgen passe son enfance dans la Sarthe, dans un milieu familial artistique, philosophique, littéraire et dans l’aventure de la restauration d’un ancien prieuré du XIe siècle, qui devient un lieu vivant de rencontres et d’échanges interculturels. Patrimoine, histoire, art et culture ont donc fortement influencé le parcours et la personnalité d’Eva. Après des études de philosophie à Paris, elle suit une formation en reliure d’art aux Arts Déco.

Cette artiste autodidacte, montre son travail depuis le début des années 2000 et a reçu plusieurs distinctions. Poésie, philosophie, théologie et musique sont ses chemins d’inspiration à partir desquels elle orchestre dans sa peinture un cri fondamentalement existentiel. Entre intrépidité, sûreté de son intuition et de sa vision de l’espace, et le doute dû à son obsession de la perfection, elle lance « Il n’y a pas d’oeuvre achevée ».

En 2007, elle suit une formation sur la Technique du vitrail, dans les ateliers  Puzin et C. Zidi à Paris, puis à partir de 2012, elle réalise des créations de vitraux avec le verrier Eric Boucher (Seiche-sur-Loire).

Peinture, tapisserie, création de vitraux contemporains, cravates originales en soie, l’univers créatif de Eva Klötgen n’hésite pas à dépasser les frontières académiques. Eva propose des pièces uniques de tapisserie de grand format, d’une grande qualité technique (pure laine de l’Himalaya, 100.000 noeuds/m2) qui sont des transpositions de ses peintures.

Privilégiant les grands formats, la peinture d’Eva Klötgen déborde de poésie, d’onirisme, de spiritualité et nous invite à percevoir le monde invisible. Le bleu domine dans sa palette chatoyante où les couleurs se fondent, se juxtaposent et éclatent ensemble sur ses toiles dans une puissance expressive.

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Barbara Morin est une peintre chercheuse d’âmes qui parle à nos coeurs. L’artiste vit à Annecy. Ses origines germano-françaises lui donnent la richesse d’une double culture. Créatrice depuis l’enfance, Barbara dévoile dans ses oeuvres un monde où l’énergie est palpable, la sensibilité délicate précise presque intrusive. L’artiste peint avec des influences multiples mais sans relier les contours de ses toiles à un style défini. Son sujet c’est l’humain; des personnages ou séries de portraits déclinés autour de différents thémes: l’Enfance, les Origines, les Princes et les Princesses…des Personnages d’ici ou d’ailleurs…Ses personnages se révèlent dans une mise en scène entre l’errance et le rêve, dans une atmosphère surréaliste et singulière. Ils regardent souvent le spectateur, parfois de face, souvent en retrait. Leur présence semble bien antérieure, leurs chemins nous parlent. Il y a des bouches qui veulent rire, des souffrances qui voudraient sourire, des histoires humaines, des rêves d’enfance. L’enfance vit dans tous ses personnages, dans les animaux, dans les instruments de musique, dans les objets dans les attributs. L’enfance devient la matière, la couleur, l’expression des oeuvres. ……… Plus sur son Site Internet


COURT METRAGE – TEASER «Le film «DODDY*» est né de mon envie de garder une trace de l’évolution de la nature du regard de ma mère sur moi. En effet, si elle m’a toujours considérée comme une enfant étrange, voire inquiétante, elle fait encore partie de ces générations qui font fleurir les silences et les secrets de famille, de celles que la psychothérapie, pire la psychanalyse tiennent plus de la magie noire que du traitement.» « Doddy » est le premier court métrage d’Aurélie Capéran, il a été sélectionné par le 19ème édition du Festival International du premier Court Métrage, il sera diffusé le Week-end du 12 au 14 Octobre 2018 VOIR LE TEASER



Bernard Baud est né en 1964 dans les Alpes françaises, il est formé au métier de ferronnier d’art mais c’est en travaillant pendant plus de 20 ans à Drouot (Paris) qu’il découvre la diversité artistique, de l’art contemporain à l’art africain, du pré-colombien aux icones russes, des arts décoratifs aux arts appliqués (qu’il préfère), il comprend alors que tout est possible….Dans l’univers coloré et ultra structuré de Bernard Baud tout est possible ; ses personnages imaginés nous regardent, neutres, ronds, sans jugements, sans préjugés, ils s’adonnent au golf, à la pêche ou déjeunent encore tranquillement entourés d’un repas frugal, dans un espace infini de planètes, d’abeilles, de coccinelles ou de ‘Lucky’, son animal Totem. Un mélange de légèreté et de complexité.

“Bernard Baud est passionné par l’art africain et contemporain. Il invite le public à découvrir la rythmique des mouvement offerts par les formes, la lumière et les couleurs de ses dernières créations picturales à la peinture entre pop art graphique et candeur imagée du douanier Rousseau. » Sylvain Legon/ Le Dauphiné Libéré.

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Gilliane Warzée est née le 19 décembre 1977 en Belgique. Elle termine ses études d’infirmière graduée en 1999 et travaille dans un service d’urgences au Grand-Duché de Luxembourg. Diplômée de l’Institut des Beaux-Arts d’Arlon, Belgique, dont elle suit les cours de peinture de septembre 2006 à juin 2009.  Gilliane se passionne de manière soudaine pour la peinture à l’âge de 28 ans. Elle débute par l’acrylique, puis se tourne rapidement vers la peinture à l’huile, dont elle apprécie les techniques de travail, particulièrement l’utilisation du couteau dont les effets et le relief permettent d’augmenter la matière de ses oeuvres. Très inspirée par les jeux de couleurs et leur intensité, attirée par la matière et la lumière, la peinture lui ouvre de nouvelles perspectives. Les principaux thèmes abordés sont les visages et leurs expressions, les animaux sauvages.  Elle réalise actuellement une série de portraits féminins, en explorant l’infinité de possibilités de traitement esthétique et émotionnel qu’ils offrent. Le travail au couteau et les couleurs vives qu’elle utilise transmettent une énergie à ses portraits. Site Internet


Amateure exploratrice et autodidacte persévérante, je pratique une photographie inspirée par le dessin et la peinture. J’expérimente beaucoup et je m’efforce de créer chaque série autour d’un langage photographique particulier et unique : J’ai transformé le Bowl, un skate park de Marseille, et ses riders en graffitis dans ma série PhotoGRAFFismes, rendue intemporelle une Venise de 2017 dans celle Avant que l’eau des banquises… et je travaille à démultiplier le temps et la lumière dans Lux Temporis. Site Internet


Séchoirs à tabac
J’ai toujours adoré depuis l’enfance ces hautes granges, noires, austères et majestueuses et c’est avec une naïve déception que j’ai appris un jour qu’elles avaient une fonction. Je ne sais pas vraiment à quoi j’attribuais leur présence mais j’aimais déjà beaucoup leur plastique. Ces grands volumes noirs qui se dressent dans la verdure, donnait le contraste visuel le plus fort qui pouvait exister dans le paysage m’environnant.Faites dessiner une maison à un enfant âgé de 5 ans, il y a plus de chance que la forme ressemble à un séchoir à tabac qu’à une batisse girondine. Le séchoir à tabac comme un dessin d’enfant a le toit pentu, les murs hauts,la porte surdimensionnée et peu de fenètres.Pour moi le séchoir à tabac contient la forme symbolique de la maison, au même titre que les meules de foin de Monet contiennent la forme symbolique de la hutte primitive. Site Internet



« Choisir
le papier, le couper, le plier, l’agencer en un cahier géant qui oblige à une gestuelle de danseur. La main, le poignet ne suffisent pas, il faut engager le bras, le buste, la colonne, le bassinLe rythme des coupelles, que Marie Christine prends, pose déplace, le pinceau qui frotte, tapote, racle, repasse… Les mouvements cadencent, dessinent une intention sonore, sur laquelle la dessinatrice se cale instinctivement pour danser sur sa propre musique. Une musique qui expose le lien qui se tend entre l’artiste et le modèle, une musique du geste, du travail : prendre, saisir à distance, chaque outil a sa tessiture, chaque intention se traduit par un impact sonore : délimiter, caresser, inciser, coucher, replier, laver, tracer, remplir, gratter, coller…dessiner »
Denys CHOMEL, Cofondateur de l’Ecole des Hautes Etudes en Technologies de l’Information et de la Communication – Montreuil-Paris

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«Signe»
Chris Calvet est un artiste plasticien Français né en 1979. Très tôt passionné par la création artistique. La nature et les éléments (matières, lumières, couleurs, formes…) lui ont donné le goût de la découverte et de l’aventure, cette ouverture d’esprit sur le monde définit son travail actuel. Découverte de l’artisanat d’art chez son amie de toujours Lyseth, ensemble ils rencontrent Hassan Massoudy et collaborent à la réalisation de gravures sur plaque, et ce, dès l’âge de 19 ans. L’aventure, lors de grands voyages en Chine notamment, lui ouvrent des perspectives vers ce qui aujourd’hui est une évidence, la calligraphie. Remarqué par Starter Gallery, il aura l’opportunité en 2015 de passer plusieurs semaines en résidence dans un des musées le plus important de Chengdu (ville de 14 million d’habitants) d’exposer dans trois musées de Chengdu et éprouver sa technique auprès de grands artistes internationaux comme XuLiaoyuan, Qiu Guangping… Toujours ouvert sur le monde, son approche est simple, le travail quotidien permet l’apprentissage et la maîtrise du geste, ce qu’il travaille d’arrache pied avec son professeur Alexandra Laneve. C’est ainsi qu’est née la série «Signe» qui lui vaut aujourd’hui une reconnaissance internationale. Site Internet



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Italy has been my land my home my inspiration and my training..
I was born in the south of France and I grew up between Europe and the US, a family of artists, a world of travellers and dreamers. I moved to Italy as a young adult with an artistic and waldorf education training. In 1991 I open my art studio in the heart of Tuscany , in San Gimignano where I work and live until 2012 and more recently move to Firenze. My study of colour, my research in materials, my passion for the landscape and its fruits, all has evolved around transforming into an intimacy the beauty around me. http://www.cassandrawainhouse.com/


Véronique gratte, creuse, lacère, jusqu’à la cicatrice, la blessure indélébile.

« Quand on se trouve devant une toile de Véronique Gros, on est submergé par la force du tracé. Large et d’un seul souffle, celui-ci nous entraîne dans d’autres espaces, espaces d’accalmie, de transparence et de fragilité. Entre ces mondes, l’équilibre se fait.’ Marie-Claire Roux – Lili Safari

http://veronique-gros.com/


Eligriv Tempfoli est né en 1977. Autodidacte parti de la philosophie esthétique, son chemin croise bien des disciplines qui cherchent à se rassembler dans un médium total… L’artiste a pour philosophie qu’une oeuvre d’art est une tâche qui doit réussir à se faire comprendre. L’artiste a exposé dans de nombreuses galeries et a reçu le prix du travail manuel du Rotary Club de la Défense.

SITE ELIGRIV TEMPFOLI